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Terme générique pour décrire les changements à l'impressionnisme d'environ 1886, date de la dernière exposition du groupe impressionniste à Paris. Meilleure limite à quatre grandes figures qui ont développé et étendu l'impressionnisme dans des directions très différentes. Cézanne conservée la doctrine fondamentale de la peinture de la nature mais avec rigueur, célèbre en disant ' je veux refaire Poussin de la nature ». (Poussin étant notoirement intellectuelle pionnier du paysage Français.) Seurat mettre la peinture impressionniste de la lumière et de couleur sur des bases scientifiques (néo-impressionnisme, divisionnisme). Gauguin conservé une lumière intense et couleur mais rejeté la peinture de la nature et réintroduit imaginative de la matière. Van Gogh peint d'après nature, mais développé une utilisation très personnelle de la couleur et le pinceau exprimant directement une réponse émotionnelle au sujet et de son monde intérieur.
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Terme utilisé à partir de 1970 environ pour décrire les changements observés se dérouler dans la société occidentale et de la culture des années 1960. Ces changements résultent d'anti-autoritaires défis pour les orthodoxies qui prévaut dans tous les domaines. Dans l'art, le postmodernisme était spécifiquement une réaction contre le modernisme. On peut dire de commencer par le Pop art et pour englober une grande partie de ce qui a suivi l'art conceptuel, Néo-expressionnisme, art féministe et la Young British Artists des années 1990. Certaines caractéristiques remarquables du postmodernisme sont qu'il s'effondre à la distinction entre la haute culture et de la masse ou culture populaire ; qu'elle tend à effacer la frontière entre l'art et la vie quotidienne ; et qu'il refuse de reconnaître l'autorité de n'importe quel style unique ou de la définition de ce que l'art devrait être.
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Une impression faite par toute méthode impliquant le transfert d'un revêtement à l'autre.
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Proportion est la relation entre une partie d'un tout dans d'autres parties. Dans l'art, il a habituellement signifié une préoccupation des artistes à la recherche d'une formule mathématique pour le corps humain parfait. Au moment de la Renaissance, Leonardo da Vinci et Albrecht Dürer tentent de trouver une formule qui permettrait à l'organisme d'être exactement inscrit dans un carré ou un cercle. Leur système semble avoir été d'abord faire la hauteur identique à la largeur des bras tendus, puis d'ajouter à la hauteur pour que la hauteur totale est égale à huit têtes. Recherches Renaissance en proportion ont été inspirés par l'écrivain romain antique d'un traité sur l'architecture, Vitruve. Une formule plus générale parfaite proportion est le nombre d'or ou le juste milieu. Ceci est défini comme une ligne divisée de manière qu'une partie plus petite est en grande partie comme la plus grande partie est à l'ensemble. Il revient à environ 08:13, soit un peu plus un tiers à deux tiers. D'une manière ou d'une autre, la Section d'or peuvent être détectés dans la plupart des oeuvres. Il est ainsi nommé parce qu'il a été considéré comme ayant quelque vertu esthétique spéciale en soi.
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La provenance d'une oeuvre d'art est l'histoire de sa propriété. Le mot vient de le provenir du verbe Français, provenir. La provenance est essentielle pour identifier avec certitude la paternité d'une œuvre d'art. Quand les jeux sont faits, aucun montant de discernement ne peut battre une bonne provenance. La provenance idéale serait constitué d'une histoire de possession traçable droit retour au studio de l'artiste. Un autre aspect important de l'histoire d'une œuvre d'art est les expositions que depuis. L'importance de la provenance n'a pas échappé à l'attention des faussaires. Dans les années 90 un faux faussaire inséré références à forgé peintures en matériaux tels que les catalogues d'exposition dans les archives du Musée. Cela convaincu des acheteurs même lorsque la qualité de la contrefaçon n'était pas particulièrement bonne. Les ouvrages illustrés chacun ont une provenance intéressante. Le Hone a été découvert au Brésil ; le Malevitch fut vendu par le gouvernement soviétique ; le Martin est l'un des trois panneaux d'un triptyque autrefois célèbre qui avaient été démantelés dans les années 1930. Un panneau est ensuite acquis par Tate. Les deux autres ont disparu. Ils ont été plus tard traqués et réunis par un collectionneur privé et finalement légués à la Tate et réunis avec l'autre panneau. Veuillez suivre les liens de « textes » de ces œuvres : Hone, esquisse pour « le prestidigitateur", (texte court) ; Malevitch, suprématisme dynamique, (Catalogue complet) ; Martin, le jugement dernier, (Catalogue complet et illustré de compagnon).
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Généralement associé aux années 1960 et la drogue hallucinogène LSD. Il y a beaucoup d'exemples d'artistes qui prennent des médicaments afin de sensibiliser et d'élargir leur vision mentale antérieure, mais c'était les effets hallucinatoires de LSD ayant tel un effet puissant sur les artistes. Day-Glo et anti-naturaliste en couleur, art psychédélique contenue souvent des motifs tourbillonnants, imagerie érotique et messages cachés, le tout visant à se référer à l'évolution des États de conscience sous l'influence de la drogue. Une grande partie de l'art issu de la communauté hippie de San Francisco, en particulier les artistes Stanley Mouse, Rick Griffin et Alton Kelley, qui ont été commandées par le promoteur rock Bill Graham pour produire des affiches pour les groupes The Grateful Dead, Jimi Hendrix et The Big Brother Holding Company.
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Œuvres d'art qui est dans le domaine public, indépendamment de si elle est située sur une propriété publique ou privée, ou si elle a été acheté avec l'argent public ou privé. Habituellement, mais pas toujours, l'art a été commandée spécialement pour le site dans lequel il se trouve. Monuments, monuments commémoratifs et statues civiques et sculptures sont les formes les plus établis d'art public, mais l'art public peut également être transitoire, sous la forme de spectacles, danse, théâtre, poésie, graffitis, affiches et installations. Art public peut souvent être utilisé comme un outil politique, comme les affiches de propagande et les statues de l'Union soviétique ou les fresques peintes par les unionistes d'Ulster en Irlande du Nord. Art public peut aussi être une forme de protestation civique, comme dans le graffiti pulvérisé sur le côté du métro de New York dans les années 1980.
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Mouvement fondé par Edouard Jeanneret (mieux connu comme l'architecte moderne Le Corbusier) et Amédée Ozenfant. Ils partirent de la théorie du purisme dans leur livre Après le Cubisme (après le cubisme) publiée en 1918. Ils ont critiqué la fragmentation de l'objet dans le cubisme et la façon dont cubisme était devenu, selon eux, décoratif de cette époque. Au lieu de cela, ils ont proposé un genre de peinture où objets sont représentés comme des formes de base puissants dépouillés de détail. Un élément crucial du purisme était son étreinte de technologie et de la machine et il visait à donner un objet mécanique et industrielle une qualité intemporelle et classique. Références à l'architecture grecque antique sont visibles dans la cannelure (comme une colonne grecque) sur les bouteilles dans des compositions de natures mortes de Ozenfant. Le plus important, autre artiste associée du purisme était Fernand Léger. Purisme a atteint un point culminant dans Pavillon de l'esprit de Le Corbusier Nouveau (pavillon de l'esprit nouveau), construit en 1925 pour l'Exposition internationale de décoratif et Arts industriels à Paris. C'était accroché avec le travail par les trois directeurs et comprenait également les cubistes, les Gris et les Lipschitz. Après cela la relation clé entre Ozenfant et Le Corbusier se sépara.
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Until the nineteenth century Western art was dominated by the academic theory of History painting and High art (see also Grand manner). Then, the development of Naturalism began to go hand in hand with increasing emphasis on realism of subject, meaning subjects outside the high art tradition. The term Realism was coined by the French novelist Champfleury in the 1840s and in art was exemplified in the work of his friend the painter Courbet. In practice Realist subject matter meant scenes of peasant and working class life, the life of the city streets, cafes and popular entertainments, and an increasing frankness in the treatment of the body and sexual subjects. The term generally implies a certain grittiness of choice of subject. Such subject matter combined with the new naturalism of treatment caused shock among the predominantly upper and middle class audiences for art. Realism is also applied as a stylistic term to forms of sharply focused almost photographic painting irrespective of subject matter, e. G. Early Pre-Raphaelite work such as Millais' Ophelia. (See also Modern Realism).
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Le Salon des Réalités Nouvelles (nouvelles réalités) était une société exposante consacré à l'art abstrait pur fondée à Paris en 1939 par Sonia Delaunay et d'autres. Après l'interruption de la seconde guerre mondiale, il a été rétabli en 1946 avec l'aide de Sonia Delaunay et se poursuit aujourd'hui. Il prévoyait dans la guerre froide lucidité les tendances plus pures dans l'art abstrait que l'Abstraction-Création avait avant la guerre. Le nom reflète l'idée fondamentale que l'art abstrait est une nouvelle réalité car il ne consulter ni imiter n'importe quelle réalité existante.
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