- Settore: Art history
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In generale, il formalismo di termine descrive la posizione critica che l'aspetto più importante di un'opera d'arte è la sua forma, cioè, la strada che si è fatto e suoi aspetti puramente visivi, piuttosto che suo contenuto narrativo o suo rapporto al mondo visibile. Nel dipinto quindi, un formalista critico sarebbe concentrarsi esclusivamente sulle qualità del colore, pennellate, forma, linea e composizione. Formalismo come una posizione critica è nata in risposta all'impressionismo e post-impressionismo (soprattutto la pittura di Cézanne), in cui senza precedenti è stato l'accento sugli aspetti puramente visivi del lavoro. Nel 1890 il pittore post-impressionista e scrittore d'arte, Maurice Denis, pubblicato un manifesto intitolato la definizione di Neo-Traditionism. La frase di apertura di questo è uno dei testi più ampiamente citati nella storia dell'arte moderna: «Ricordate che una foto, prima che sia una foto di un cavallo di battaglia, una donna nuda o qualche storia, è essenzialmente una superficie piana ricoperta di colori disposti in un certo ordine. ' Denis ha sottolineato che il piacere estetico doveva essere trovato nel dipinto stesso non soggetto. In arte formalista Bretagna teoria fu sviluppata dal pittore Bloomsbury e critico Roger Fry e il Bloomsbury Clive Bell. Nel suo libro 1914 arte, Bell ha formulato la nozione di forma significativa, che la stessa forma può trasmettere sensazione. Tutto questo ha portato rapidamente a arte, un'arte di pura forma astratta. Formalismo dominato lo sviluppo dell'arte moderna fino al 1960 quando raggiunse l'apice nel cosiddetto New Criticism del critico americano Clement Greenberg e altri, particolarmente nei loro scritti sul campo di colore pittura e Post Painterly Abstraction. Fu proprio in quel momento che formalismo cominciò ad essere sfidato da Postmodernism.
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Formato è tradizionalmente usato per descrivere la forma o le proporzioni del supporto, ad esempio la tela, di una pittura o altra opera essenzialmente piatta come un sollievo. I due formati tradizionali più comuni per i dipinti sono il rettangolo orizzontale, spesso indicato come formato orizzontale e verticale rettangolo noto come ritratto. Un altro formato tradizionale ma meno comune è il circolare quello conosciuto come il tondo. Formati quadrati a volte sono stati utilizzati, in particolare per esempio di JMW Turner e nel ventesimo secolo D.c. Reinhardt. Il pittore Piet Mondrian astratto utilizzato occasionalmente una tela quadrata appesa in un angolo come un diamante. Dagli anni sessanta su un approccio molto più libero per formattare è diventato evidente in alcuni lavori di artisti come Frank Stella ed Ellsworth Kelly e la forma della tela è diventato un elemento importante nella composizione del lavoro.
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Un oggetto naturale o artificiale (o un frammento di un oggetto) trovati (o a volte comprato) di un artista e mantenuto a causa di qualche interesse intrinseco dell'artista vede in esso. Gli oggetti trovati possono essere messo su uno scaffale e trattati come opere d'arte in se stessi, così come fornire ispirazione per l'artista. Lo scultore Henry Moore raccolti ad esempio ossa e pietre focaie che egli sembra avere trattato come sculture naturali come fonti per il proprio lavoro. Oggetti trovati possono essere modificati dall'artista e presentati come arte, più o meno intatta come in Dada e surrealista readymade dell'artista Marcel Duchamp, o come parte di un assemblaggio. Come spesso accade, Picasso era un creatore, dal 1912, quando ha iniziato a incorporare i giornali e cose come scatole di fiammiferi nei suoi collages cubisti e fare le sue costruzioni cubista da vari materiali di scavenging. Ampio uso di oggetti trovati è stata fatta da artisti Dada, surrealista e Pop e da artisti successivi come Carl Andre, Tony Cragg, Bill Woodrow, Damien Hirst, Sarah Lucas e Michael Landy, tra molti altri.
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Una tecnica di pittura murale sviluppato in Italia da circa duecento e perfezionato al tempo del Rinascimento. Due mani di gesso sono applicati a un muro e lasciate asciugare. Nel secondo il disegno è disegnato nel contorno. Per rendere il dipinto, un'area della parete corrispondente a lavoro una giornata di è appena intonacata e il design ripercorso assocerà con le parti scoperte. Questa zona è quindi dipinta su mentre ancora bagnato, utilizzando vernice a base d'acqua. La vernice è assorbita l'intonaco bagnato diventando parte integrante di esso, rendendo così una tecnica murala durevole. Qualche ritocco può essere fatto quando il gesso è asciutto, ma un intero affresco dipinto sull'intonaco asciutto rischia di sfaldarsi.
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Dipinti di soggetti dalla vita quotidiana, solitamente piccolo in scala. Sviluppato specialmente in Olanda nel XVII secolo, più tipicamente con scene di vita contadina o bere nelle taverne. In moderna morale soggetti Gran Bretagna Hogarth erano un genere speciale di genere, nella loro schiettezza e spesso mordace satira sociale. Pittura di genere più semplice è emerso più successivamente del Settecento in per esempio G Morland H Morland e Wheatley. Divenne molto popolare in epoca vittoriana, seguendo il successo del lavoro brillantemente qualificato ma profondamente sentimentale di Wilkie. Pittura di genere è uno dei cinque generi, o tipi di pittura, fondata nel XVII secolo.
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I generi, o tipi di pittura, sono stati codificati nel XVII secolo dalla Accademia reale francese. In ordine decrescente di importanza i generi erano storia, genere, ritratto, paesaggio e natura morta. Questa classifica, conosciuta come la gerarchia dei generi, era basata sulla nozione dell'uomo la misura di tutte le cose — paesaggio e natura morta erano più bassi perché essi non coinvolgono materia umana. Storia è stata più alta perché trattava con gli eventi più nobili della storia umana e con la religione.
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L'arte dei graffiti ha le sue origini negli anni ' 70 a New York, quando giovani cominciarono a utilizzare vernice spray e altri materiali per creare immagini sugli edifici e sui lati dei treni della metropolitana. Tali graffiti possono variare da luminose immagini grafiche (wildstyle) a monogrammi stilizzati (tag). I graffiti come tali sono raramente visti in gallerie e musei, eppure la loro estetica è stata incorporata nel lavoro degli artisti. I primi esponenti dell'arte dei graffiti includono l'artista francese Jean Dubuffet, che incorporò motivi grafici nei suoi dipinti e gli artisti di New York, Jean-Michel Basquiat e Keith Haring, che potrebbe essere definito come pioniere dell'arte di strada. Più recentemente, artisti di graffiti come Barry McGee e Banksy hanno delle esposizioni in spazi commerciali.
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Termine apparso negli anni settanta per descrivere una tendenza alla fedeltà particolarmente alta al realismo nella pittura e scultura di quel tempo. Anche chiamato Super realismo e nella pittura è sinonimo di foto-realismo. Nella scultura il maggiore esponente era Duane Hanson, insieme a John de Andrea. Più recentemente il lavoro di Ron Mueck e alcuni dei lavori di Robert Gober potrebbe essere visto come Iper-realista. Principali pittori furono Chuck Close, Robert Bechtle, Richard Estes, Audrey Flack, Ralph Goings.
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Gruppo italiano costituito nel 1922 da Funi, Sironi, Carrà e gli altri. Lanciato ufficialmente nel 1923 in una riunione a Milano, con Mussolini come uno dei relatori. Mussolini è stato il fondatore del partito fascista italiano e nel 1922 salì al potere diventare dittatore d'Italia. Dopo essere rappresentato alla Biennale di Venezia del 1924 il gruppo diviso e fu riformato. Il nuovo Novecento Italiano in scena la sua prima Mostra collettiva a Milano nel 1926. L'obiettivo del gruppo era quello di far rivivere la tradizione della pittura di storia di grande formato alla maniera classica. Il gruppo appoggiato il fascismo e il suo lavoro è stato collegato con il dipartimento di propaganda di stato.
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Un'area di vernice spessa, o la trama, in un dipinto. Primo evidente in pittori del Rinascimento veneziano Tiziano e Tintoretto, poi nella pittura barocca, ad esempio Rubens. Sempre più notevole nel panorama ottocentesco, naturalista e pittura romantica. Uso di impasto divenne più o meno obbligatoria nell'arte moderna, come la vista ha preso possesso che la superficie di un dipinto dovrebbe avere la propria realtà piuttosto che semplicemente essendo una finestra liscia in un mondo illusionistico oltre. Con questo è andato l'idea che la consistenza della vernice e la forma della brushmark potrebbe stessi contribuire a trasmettere sensazione, che sono un tipo di grafia, che possono direttamente esprimere emozioni o la risposta al tema dell'artista. (Vedere anche gestuale). Una pittura in cui impasto è una caratteristica prominente può anche detto pittorico. Questo termine trasporta l'implicazione che l'artista è godendosi la manipolazione della stessa vernice olio e fare il massimo uso delle sue proprietà sensuale. L'idea che l'artista dovrebbe in primo piano la qualità innate dei materiali del lavoro come parte del suo contenuto è una centrale in arte moderna e si riassume nella verità frase ai materiali (vedi anche intaglio diretto).
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